Heinrich Wölfflin - forma abierta

HEINRICH WÖLFFLIN. CONCEPTOS FUNDAMENTALES DE LA HISTORIA DEL ARTE

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Por Ana Sofía Lagunes Castillo
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FORMA ABIERTA

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Tesis e ideas principales

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X “En el siglo XVII el contenido es extraño al marco. Se hace todo lo posible por evitar que la composición haga el efecto de haber sido pensada para tal plano determinado. Aunque siga siendo efectiva una oculta congruencia, ha de evidenciarse el conjunto más en el sentido de un recorte fortuito del mundo visible.”

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X Es posible observar disposiciones de simetría, pero el cuadro mismo está conformado prescindiendo de ella. Si un grupo simétrico se presenta en escorzo, se pierde la simetría.

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X Comparando los retratos dobles de Van Dyck con otros semejantes de Holbein o Rafael, se aprecia que el primero siempre realza una de las figuras a costa de la otra, dando lugar al equilibrio inestable.

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X Como ejemplo del equilibrio inestable en el colorido, en Andrómeda de Rubens se presenta una luminosa masa carmín (el manto caído) ocupando el ángulo inferior derecho, como acento asimétrico.

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X Para el estilo atectónico pasa a segundo término el interés por lo construido y cerrado en sí. Los factores arquitectónicos son secundarios en el cuadro. Lo significativo en la forma no es el aparato, sino el aliento, que pone lo inerte en fluidez y movimiento. La belleza radica en lo ilimitado.

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Características de la Forma Abierta

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X Estilo que alude a lo externo a él mismo y tiende a la apariencia desprovista de límites.

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X Las verticales y horizontales dentro de la pintura pierden su papel dominante y su carácter tectónico. Elementos como árboles y columnas no entran como verticales en relación con las verticales del marco. También se disimula el contenido tectónico de la figura humana y aunque no se abandona la verticalidad, pues se presentan figuras “erguidas”, ésta ha perdido su significación tectónica.

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X No hay un perfecto equilibrio de las dos mitades del cuadro, sino un equilibrio inestable y una ordenación libre.

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X Las partes del cuadro no se organizan en torno a un eje central.

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X Desaparecen las simetrías puras o se disimulan por medio de desplazamientos del equilibrio. El barroco acentúa un solo aspecto y origina el equilibrio inestable.

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X La diagonal que domina la composición niega la escena en ángulo recto o la disimula.

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X Lo no cerrado y contingente relega a segundo término los aspectos “puros”, como son la frontalidad y el perfil decisivos; la forma abierta del barroco procura que las cosas no se inmovilicen en tales aspectos elementales.

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X Se quiebra la eficacia de los contrastes directos. El cuadro ya no está construido a base de los puros contrastes de color.

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X En el barroco toda dirección, luz y color no están compensados, se crea un estado de tensión.

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X El barroco evita que coincidan el corte del cuadro y su asunto. Los pintores buscan la apariencia de un corte violento, sin sacrificar ningún elemento esencial.

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X Se utilizan motivos como un primer termino desmesurado, creando un ritmo abrupto.

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X Escultura: La figura se desprende del nicho. Las verticales y horizontales pierden su dominio estructural. Mayor libertad, se rompe con los elementos arquitectónicos negando las limitaciones tectónicas. La figura gira, se libra del plano.

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X Arquitectura: Es tectónica, la decoración es la que puede comportarse con mayor libertad. La forma rígida se transforma en forma fluida: no se excluyen la línea recta y el ángulo recto, pero los frisos se hacen ventrudos, los barrotes se encorvan, los áticos se curvan, incluso el muro se curva hacia dentro y hacia fuera. Se conserva el patrón de simetría, pero se relaja la impresión de regularidad. Las proporciones se deforman con el movimiento.

Taller de Rubens, Adrómeda, ca. 1645